Wenn wir an Textur denken, denken wir an etwas, das wir berühren und fühlen können. Textur bezieht sich im Allgemeinen auf das Aussehen der Oberfläche von etwas. Aber es gibt noch einen weiteren wesentlichen Bestandteil. Textur beschreibt auch, wie wir uns über etwas fühlen. Sie können zum Beispiel einen Pullover anfassen und fühlen, dass er weich und kuschelig ist. Sie können das Haar berühren und über seine Textur sprechen.

Aber was meinen Sie, wenn Sie von Textur in der Musik sprechen?

Bevor wir die obige Frage beantworten, lassen Sie uns ein wenig über Textur und ihre Anwendung auf verschiedene Kunstformen diskutieren.

Textur in der Kunst

Textur ist ein grundlegender Bestandteil der Kunst . Ob es sich um ein Musikstück oder ein Gemälde handelt, die Textur spielt eine wichtige Rolle bei der Schaffung eines Gesamtgefühls. Textur ist eines der sieben Elemente der Kunst, zu denen Form, Linie, Form und Farbe gehören. In jeder Kunst ist Textur fast immer vorhanden.

Nehmen Sie das Beispiel eines Ölgemäldes. Sie können mit den Fingern darüber streichen und die unebene Oberfläche der Farbe spüren. Textur in einem Gemälde kann auch durch geschickte Verwendung von Schattierungen erreicht werden. Die Textur in einer zweidimensionalen Arbeit bezieht sich auf das visuelle Gefühl des Gemäldes.

Ein Maler kann andere Elemente der Kunst wie Farbe, Linie und Form verwenden, um das visuelle Gefühl von Objekten wie einem Baum oder Stein zu vermitteln.

Es gibt verschiedene Arten von Texturen in verschiedenen Kunstformen. Lassen Sie uns also weitermachen und diskutieren, was Textur in der Musik bedeutet.

Was ist Textur in der Musik?

Sie wissen, dass Textur sich darauf bezieht, wie uns etwas fühlt. Im Fall von Musik ist es also, wie uns die Musik insgesamt fühlen lässt. Sie können Textur als Oberflächenerscheinung der Musik betrachten. Genau wie bei einer Landschaft können Sie sich Textur in der Musik als Klanglandschaft vorstellen.

Textur ist mit Berührung verbunden, genau wie Sie Weichheit spüren, wenn Sie den gewebten Stoff eines Pullovers berühren. In der Musik webt der Künstler bestimmte Teile der Musik, um ein Klanggewebe zu schaffen. Textur wird hier in Bezug auf Dynamik, Reichweite, Artikulation oder Komplexität des Rhythmus definiert.

Die allgemeinen Begriffe, die die Textur in der Musik beschreiben, weisen alle auf die Anzahl der Teile oder Stimmen im Stück und die Beziehung zwischen ihnen hin. In einfachen Worten, es ist das Verhältnis von Harmonien und Melodien. Oder es geht darum, wie die Musikschichten in einem Track miteinander interagieren.

Sie müssen gesehen haben, dass Menschen unterschiedliche Arten haben, Musik zu beschreiben. Ein Stück kann als dick oder dünn bezeichnet werden, und das bezieht sich auf die Textur der Strecke. Es sagt Ihnen, wie viel in dem Musikstück passiert. Zum Beispiel bezieht sich ein Stück mit dicker Musik oder dicker Textur auf die Verwendung vieler Instrumentenschichten.

Nehmen wir ein Beispiel, um die Textur in der Musik zu veranschaulichen. Sie müssen Spaghetti oder Nudeln gegessen haben, oder? Stellen Sie sich nun vor, dass eine einzelne Nudel eine Melodielinie ist. Jeder Nudelstrang ist also eine einzelne Melodie für sich. Sie können diese Textur monophon nennen (wir werden die Arten von Texturen gleich besprechen).

Auf Ihrem Teller kommen mehrere Nudelstränge zusammen, um das endgültige Gericht zu ergeben. Auf die gleiche Weise kommen viele Melodielinien zusammen, um Musik zu schaffen. In diesem Fall hat das Musikstück eine polyphone Textur.

Jetzt können Sie auch alle Nudelstränge wie in einer Packung übereinander legen. So können sie sich in Akkorden zusammen bewegen, was zu einer homophonen Textur führt.

Technisch bezieht sich Textur in der Musik auf die Teile oder Stimmen, die im Stück verwendet werden. Basierend auf dieser Definition kann Musik in verschiedene Arten von Texturen eingeteilt werden. Wir werden die traditionellen und neuen Texturformen im nächsten Abschnitt besprechen.

Traditionelle Arten von Texturen in der Musik

Die Musikwissenschaft, insbesondere Musikgeschichte und Musikanalyse, hat einige allgemeine Begriffe verwendet, um verschiedene Arten von Texturen zu beschreiben. Es gibt fünf traditionelle Arten von Texturen in der Musik:

1. Monophon

Monophone Textur bezieht sich auf eine einzelne Musiklinie. Traditionell bedeutet diese Textur einen Sänger oder ein Instrument. Sie haben keine Neben- oder Begleitmelodie. Der Begriff monophon ist auf alle einzelnen Musiklinien anwendbar, unabhängig davon, ob es sich um Unisono-, Solo- oder Oktavverdopplung handelt.

Monophone Textur kann sich auch auf Musik beziehen, die mehrere Stimmen oder Instrumente verwendet. Die Stimmen können in verschiedenen Oktaven oder im Unisono sein, aber sie müssen die gleichen Noten und Rhythmen haben. Manchmal kann die Musik sogar von rhythmischen Teilen ohne Tonhöhe begleitet werden. Aber auch hier müssen sie eine einzelne Linie sein, die bestimmte Tonhöhen haben kann. Man kann solche Arrangements auch als Monophonie bezeichnen.

Bei einigen monophonen Texturen können mehrere Sänger oder Instrumente die einzelne Melodielinie spielen. In diesem Fall wird die Musik eine reicher klingende monophone Textur haben.

Beispiele

• Gesänge der gregorianischen Mönche
• Pfeifen einer Melodie
• „Happy Birthday“ singen ohne Begleitinstrumente oder Harmonien
• Der Chorpart aus „Halleluja“ von Georg Friedrich Händel

2. Homophon

Homophonie bedeutet übersetzt „zusammen klingen“. Sie wird auch als Homophonie oder Akkordmusik bezeichnet, da sie in Blockakkorden gespielt wird. Homophonie ist die häufigste Textur, die in klassischer und populärer westlicher Musik zu finden ist.

Homophone Musik hat eine ausgeprägte Melodielinie, die Ihre Aufmerksamkeit auf sich zieht. Die anderen Stimmen begleiten die Hauptmelodielinie oder ergänzen die Akkorde. Bei der Beschreibung homophoner Musik tauchen daher Aspekte wie Begleitung, Akkorde und Harmonien auf. So können verschiedene Instrumente wie Pedalnoten oder Walking Bass innerhalb der homophonen Textur der Musik verwendet werden. Alle Akkorde ergänzen jedoch die Hauptmelodie und bewegen sich zusammen mit der gleichen Geschwindigkeit.

Es gibt ein interessantes Merkmal homophoner Musik. In den besten homophonen Kompositionen haben die begleitenden Akkorde oder Harmonien melodisches Interesse für den Zuhörer. Sie sind sehr angenehm anzuhören, auch wenn sie von der Hauptmelodie abweichen. Auch die Komposition kann den Regeln eines gut geschriebenen Kontrapunkts folgen.

Doch die begleitenden Melodien ergeben ohne die melodische Hauptlinie kein ganzheitliches Musikstück. Zusammen gespielt kann man deutlich erkennen, dass es sich nicht um eigenständige Teile handelt. Sie folgen demselben Rhythmus wie die Melodie und ergänzen sie, indem sie die Akkorde oder Harmonien ergänzen. Man kann sie also nicht wirklich Melodien nennen!

Beispiele

• Der Schlussteil von „And the Glory of the Lord“ aus Händels Messiah
• Barbershop-Quartett-Musik
• Protestantische Hymnen
• Chormusik, bei der die Stimmen demselben Rhythmus folgen
• Ein Sänger singt und klimpert auf seiner Ukulele
• Ein Jazz-Arrangement mit einem Hauptsaxophon und Klavier, Bass und Schlagzeug, um einen rhythmischen Hintergrund zu schaffen
• Ein Dudelsack begleitet von Akkorden oder Drohnen

3. Polyphonisch

Polyphonie bezieht sich auf viele Klänge. Ein Musikstück mit polyphoner Textur hat zwei oder mehr Melodielinien, bei denen alle Melodien gleich wichtig sind. Außerdem treten sie gleichzeitig auf und verweben sich in- und auseinander. Polyphone Musik ist auch unter anderen Namen wie Polyphonie, kontrapunktische oder kontrapunktische Musik bekannt.

In einfachen Worten kann jede Musik, bei der mehr als eine unabhängige Melodie gleichzeitig auftritt, als polyphone Musik bezeichnet werden.

Polyphone Musik ist typisch für die Renaissance. Die dichte und komplexe Textur, in der mehrere gleiche melodische Linien zusammenkommen, um eine erhöhte musikalische Erwartung zu schaffen. Die mehreren Dimensionen und erkennbaren Melodielinien, die zusammenspielen, sorgen für ein angenehmes Musikerlebnis. Wenn Sie Bach gehört haben, müssen Sie auf mehrere Beispiele polyphoner Textur gestoßen sein.

Polyphone Musik impliziert nicht unbedingt die Verwendung mehrerer Instrumente. Sie können ganz einfach eine polyphone Textur mit einer einzigen Gitarre oder einem Keyboard erstellen. Homophone Musik kann auch vorübergehend in polyphone Textur umgewandelt werden, indem eine unabhängige Gegenmelodie hinzugefügt wird.

Beispiele

• Fugen, Kanons und Runden
• Barocke Musik
• Jazzkünstler, die gleichzeitig Melodien improvisieren
• Musik von einem Orchester und anderen großen Musikgruppen

Eigenschaften der polyphonen Textur

Polyphone Musik kann eine bestimmte Anzahl von Eigenschaften haben –

Nachahmung: Eine Stimme oder ein Instrument in polyphoner Musik kann eine andere Stimme oder ein Instrument imitieren, das gerade gespielt wurde. Eine Note kann in einem anderen Teil der Musik erneut wiederholt werden und die Melodie des vorherigen Teils (der fortgesetzt wird) überlagern.

Beispielsweise kann eine Flöte eine gerade vom Saxophon gespielte Melodie imitieren.

Imitationen können auch etwas von der Originalmelodie abweichen, um die Musik interessanter zu machen. Sie können improvisieren, indem Sie

• Ornamente hinzufügen
• Spielen Sie höher oder tiefer, um die Oktave zu ändern
• Variieren Sie die Dauer der Noten, aber behalten Sie die gleiche Melodie bei

Fuge: Die Fuge kann als eine besondere Art polyphoner Textur angesehen werden. Es beginnt damit, dass eine oder mehrere Stimmen oder Instrumente unisono spielen. Dann wiederholen die anderen Stimmen oder Instrumente die Melodie, wobei Sie die Tonhöhe frei variieren können. 

4. Heterophonie

Heterphone Musik enthält nur eine Melodielinie. Aber die Hauptlinie wird gleichzeitig anders gesungen oder gespielt. Mit anderen Worten, heterophone Musik spielt simultane Variationen derselben Melodielinie. Die Variation wird über die ursprüngliche Melodielinie gespielt.

Die Instrumente oder Stimmen in dieser Art von Textur haben einen anderen Charakter oder bewegen sich in kontrastierenden Rhythmen. Anstatt Variationen der Hauptmelodie zu enthalten, kann ein heterophones Musikstück auch wesentlich unterschiedliche Melodien enthalten.

Sie können Heterophonie als Unterkategorie von Polyphonie oder unregelmäßiger Monophonie oder einer Kombination aus beidem betrachten.

Beispiele

Heterophone Texturen sind in der westlichen Musik nicht üblich. Sie finden seine Verwendung in der Musik aus dem Nahen Osten, den amerikanischen Ureinwohnern und südasiatischen Ländern. Es ist auch in Bluegrass-, Zydeco- und Cajun-Traditionen üblich.

Achten Sie auf Sänger oder Instrumentalisten, die dieselbe Melodie zur gleichen Zeit spielen, aber mit unterschiedlichen Verzierungen.

5. Antiphonal

Antiphonale Textur wurde in alten Zeiten in Chören oder Theaterstücken verwendet. Mehrere Künstler oder Instrumentalisten würden an verschiedenen Orten in einer Kirche oder Bühne Platz nehmen und musikalisch interagieren. Üblicherweise findet zwischen den Gruppen ein musikalischer Dialog mit Austausch melodischer Ideen statt.

Beispiele

Giovanni Gabrieli aus Zeiten der Renaissance verwendete in seinen Werken viel Antiphonie. Sie können sich auch Michael Tippetts Concerto for Double String Orchestra anhören, um Beispiele für diese Textur zu finden.

Zeitgenössische Textur in der Musik

Einige Texturen sind in der Neuzeit populär geworden. Mikropolyphonie-Textur ist ein solches Beispiel und wurde im 20. Jahrhundert populär. Die Musik verwendet lange dissonante Noten, die sich langsam über die Zeit bewegen. Kurz gesagt, es sind die gleichzeitigen Variationen von Linien, Klangfarben und Rhythmen. Die Harmonien wechseln nicht abrupt, sondern verweben sich ineinander.

Die Textur wurde von György Ligeti entwickelt, der den Soundtrack zu Stanley Kubricks „ 2001: A Space Odyssey “ komponierte.

Beispiele

Requiem für Sopran, Mezzosopran, gemischten Chor und Orchester aus dem Soundtrack des Films

Sie haben auch einige andere Arten von Texturen in Musik-

• Homorhythmisch
• Polythematisch
• Polyrhythmisch
• Lautmalerisch
• Verbindung
• Gemischte Texturen

Musik alleine spielen

Um fair zu sein, ist es wichtig, dass Sie als Anfänger alle Grundlagen lernen und hart arbeiten. Wenn Sie ein starkes Fundament aufbauen, können Sie schneller unternehmerisch tätig werden. 

Wenn Sie zum Beispiel mit einer Akustikgitarre arbeiten, werden Sie ein besserer Gitarrist, der dann sein Wissen erweitern kann. Deine Hände mögen anfangs blaue Flecken bekommen, aber du wirst dafür ein ausgezeichneter Spieler werden. 

Eine E-Gitarre ist jedoch einfacher zu lernen und Sie können danach immer noch eine Akustikgitarre aufnehmen. Sie werden es physisch bequemer finden. Sobald sich Ihre Finger an das Klimpern der Gitarre gewöhnt haben, können Sie mehr Druck ausüben, ohne Schmerzen zu verspüren. 

Wenn Sie sich fragen, welche der beiden Optionen einfacher zu spielen wäre, und möchten, dass dies Ihr einziger Parameter für die Auswahl ist, dann entscheiden Sie sich für eine E-Gitarre. 

Abschließende Gedanken

Texturen ermöglichen es Musikern, Dramatik und Kontraste aufzubauen, indem sie die Klangschichten variieren. Ein Musikstück kann mehr als eine Textur enthalten, wie wir bereits oben angemerkt haben. Der Einsatz von Musikinstrumenten und Stimmen unterschiedlichen Charakters kann Musikern helfen, reichhaltige Texturen zu entwickeln, die das Vergnügen am Musikhören steigern.